光影在油画创作中的应用有哪些 举出三大点 谢谢急求

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光影在油画创作中的应用有哪些 举出三大点 谢谢急求

1、对构图的作用
2、对表现对象的形象作用
3,、对画面的整体色调作用等等

中西方历史画 异同

东、西方绘画，尤其是作为东方绘画代表的中国画，和西方绘画（先是从希腊克里特岛壁画，到意大利架上绘画的油画），均走过了辉煌的二千多年历程。
根据绘画所表现的对象和内容区分，可以分为宗教画、历史画、风俗画、肖像画（人物画）、风景画（山水画）、静物画、花鸟画等。按照绘画工具和材料区分，有素描、油画、水彩画、水粉画、水墨画以及版画、雕塑、壁画等。按照国别或民族文化传统区分，则有中国画、日本画等。在这众多的画种中，中国画和油画，则是东、西方两大绘画体系的典型代表画种。

油画，是以油为调合剂调和颜料、用短毛硬质棕笔和油画刮刀、画在经加工制作过的不吸油的亚麻布或其它材料上的一种画种。它发明并流行于西方，主要是欧洲。由于油画是来源于西方的画种，我国传统上便将素描、油画、水粉、水彩等称为“西画”。

油画是从古老的壁画技法中发展出来的，墙壁上的绘画被转移到画架上的木板或木框绷着的画布上，被称为“架上绘画”。15世纪以前，欧洲的绘画颜料还是用胶水、矿粉和鸡蛋清调和的颜料。以后发现用亚麻仁油调和颜料效果更佳，调好的颜料不易干，画时可层层重叠上去，且干后颜色非常鲜亮，日晒不易褪色。于是，经过不断地改进和完善，很快传遍了欧洲，油画遂成为西方绘画的主要画种。油画的效果细腻、丰富，能够很好地表现被画物体的质感、量感、表现的光线、色调、气氛逼真。油画内容小到静物、小景，大到征战、庆典，无一不包，画人物肖像更为擅长。在照相机未发明的年代，具有很高的写实性能的油画是人“留影” 的主要手段。虽然油画从发明至今，不过短短四百余年的历史，却发展飞快，由此可见它那旺盛的生命力。在清代中期，油画技法传入中国，至今已与中国画比肩发展。

中国画，从现在的画在绢帛上的最早的作品来看，已经有了两千多年的历史。自东汉蔡伦发明造纸以后，至唐代宣州泾县匠人用檀树皮与稻草抄制出着墨华滋、纸质洁白、便于装裱、经年不变的宣纸以后，中国画的创作更进入自由驰骋的天地。中国画的诞生标志着世界艺术宝库中一种特殊表现形式的创立。

中国画古称“丹青”，体系庞大，内容丰富。它是在五千年文明史中，与中国各民族文化融合与渗透而共同创造的成果。中国画具有中华民族的伟大气魄，能容纳百川而归大海，它能同化各种外来艺术流派，而不被其所同化。融汇外来形式的新疆龟兹壁画、敦煌壁画，已成为中华民族艺术的代表，由此可见中华民族绘画的巨大能量。

中国画给予四周的邻国以莫大的影响。日本很早就是中国绘画的旁系，历代都有中国画家到日本去传授中国画技法。14－15世纪，中国画又传到印度、波斯等国，使它们的绘画受到很大影响。这些国家的艺术作品，都富有明朗的中国风格和情趣。

同中国画相比，传统西画要求的是写实，是具象绘画。其发展靠的是科学，如**学、解剖学、色彩学、光学，靠技术、物质材料。

而中国画则要求的是写意，不以写实作为最高标准。意象区别于具象和抽象，既借助具象、也借助抽象；借助写实，又是写意，因此，它靠的是哲学和文学发展。

传统西画是力求真实的“再现”外部世界，它运用**，在二维画面中利用视错觉“真实”地再现三维空间的情景。

而中国画则力求“表现”外部世界，由于受“天人合一”哲学观的影响，画面中的世界是画家主观世界和客观世界的统一体，在中国画的画境中，更注重于画家的“心意”和“情景”相融合的“意境”。

荷兰油画《夜巡》的鉴赏！包括人物描写，画的光线等…一篇评价

《夜巡》（1642年）是伦勃朗一生中最著名也最引起争议的画，也因着这幅画引起的一场诉讼，给艺术家带来了悲惨的晚年。 因为当时的画坛上的习惯，是军人的群像必须按照身分和军阶分配到画面的相对应的位置上。但伦勃朗却一反陈规，大胆的构思出新的布局，有节奏地处理了画面人物，使画面极富戏剧性、表现性，展现出了一个轻松、生动却又有序的场面。画面以中间两个中心人物向两旁扩开，营造了一种气势和积极的氛围，光线巧妙的运用给画面增添了一丝神秘感（难怪他被称为光与色的大师），人物动态富有生气，小女孩的插入使得画面更加生动、富生活气息和给予观者猜测、联想的空间。 然而，如此妙的创意与美的表现，却遭到订货者的否定与拒绝，和社会上大多数人的反对，人们似乎对墨守陈规更欢迎！画面布局的转变、表现手法的创新和每个人的形象的清楚程度不同等等原因，使得这幅画一面世就引起了轩然**，巡警们也因为出同样的钱却不能在画上有同等的地位而向画家提出**。为了索回画金，阿姆斯特丹射击手公会把此事诉诸法庭，并对画家进行大肆攻击。 同年（1642年），伦勃朗的妻子去世，加之《夜巡》带来的争议与官司，和因他曾以妻子莎士基亚的*体为模特儿画过一些宗教题材的历史画，而遭到维护旧道德的人们的非议，使得伦勃朗的事业开始如星损落，他的幸福生活从此宣告终结。此后，他的顾客渐渐稀落，弟子也不再登门……最后他落得负债累累、拍卖财产的结局…… 　《夜巡》是荷兰现实**大师伦勃朗.哈门斯.凡.兰(Rembrandt Harmensz.van Rijn,1606——1669)的一幅集体肖像画。美术史记载,这件作品是1642年,阿姆斯特丹城内的射击手连队全体成员出资向伦勃朗订购的一幅的集体画像。在这件作品中伦勃朗一改前人的集体肖像画模式,一方面注重描绘真实的人物外表形象;另一方面又追求再现人的内心情感。以一种新颖的绘画形式展现给世人。 　　这件作品描述的是荷兰阿姆斯特丹城**击手连队的18名成员,在接受到战斗任务后,手拿**紧急集合,斗志昂扬,准备战斗的情景 ,画面中展现出一种紧张忙碌的气氛。在《夜巡》中,伦勃朗以写实的绘画手法将人物描绘的活灵活现;同时又利用了明暗的绘画技法,将现实**和浪漫**相融合,来歌颂这个射击手连队成员保卫国家、英勇斗争的爱国**精神。 最令我感动与敬佩的是伦勃朗的坚持！他不畏社会言论，在患难困苦中依然坚持自己的艺术信念、审美观念和现实**艺术原则。

油画《呐喊》的简介？

《呐喊》 　　爱德华．蒙克Edvard Munc作品欣赏 　　1893 年 　　91x73.5cm 　　纸 粉彩 　　奥斯陆国家美术馆 　　1890年，他开始着手创作他一生中最重要的系列作品“生命组画”。这套组画题材范围广泛，以讴歌“生命、爱情和死亡”为基本主题，采用象征和隐喻的手法，揭示了人类“世纪末”的忧虑与恐惧。蒙克1893年所作的油画《呐喊》，是这套组画中最为强烈和最富**性的一幅，也是他重要代表作品之一。在这幅画上，蒙克以极度夸张的笔法，描绘了一个变了形的尖叫的人物形象，把人类极端的孤独和苦闷，以及那种在无垠宇宙面前的恐惧之情，表现得淋漓尽致。蒙克自己曾叙述了这幅画的由来： 　　“一天晚上我沿着小路漫步——路的一边是城市，另一边在我的下方是峡湾。我又累又病，停步朝峡湾那一边眺望——太阳正落山——云被染得红红的，象血一样。 　　“我感到一声刺耳的尖叫穿过天地间；我仿佛可以听到这一尖叫的声音。我画下了这幅画——画了那些象真的血一样的云。——那些色彩在尖叫——这就是‘生命组画’中的这幅《呐喊》。”(Thomas M．Messer著《爱德华·蒙克》，Harry N．Abrams，INC，Publishers，NewYork，第84页。笔者译。) 　　在这幅画上，没有任何具体物象暗示出引发这一尖叫的恐怖。画面**的形象使人毛骨悚然。他似乎正从我们身边走过，将要转向那伸向远处的栏杆。他捂着耳朵，几乎听不见那两个远去的行人的脚步声，也看不见远方的两只小船和教堂的尖塔；否则，那紧紧缠绕他的整个孤独，或许能稍稍地得以削减。这一完全与现实隔离了的孤独者，似已被他自己内心深处极度的恐惧彻底征服。这一形象被高度地夸张了，那变形和扭曲的尖叫的面孔，完全是漫画式的。那圆睁的双眼和凹陷的脸颊，使人想到了与死亡相联系的骷髅。这简直就是一个尖叫的鬼魂。“只能是疯子画的”，蒙克在该画的草图上曾这样写道。 　　在这幅画上，蒙克所用的色彩与自然保持着一定程度的关联。虽然蓝色的水、棕色的地、绿色的树以及红色的天，都被夸张得富于表现性，但并没有失去其色彩大致的真实性。全画的色彩是郁闷的：浓重的血红色悬浮在地平线上方，给人以不祥的预感。它与海面*暗处的紫色相冲突；这一紫色因伸向远处而愈益显得*沉。同样的紫色，重复出现在孤独者的衣服上。而他的手和头部，则留在了苍白、惨淡的棕灰色中。 　　画中没有一处不充满动荡感。天空与水流的扭动曲线，与桥的粗壮挺直的斜线形式鲜明对比。整个构图在旋转的动感中，充满粗犷、强烈的节奏。所有形式要素似乎都传达着那一声刺耳尖叫的声音。画家在这里可以说是以视觉的符号来传达听觉的感受，把凄惨的尖叫变成了可见的振动。这种将声波图像化的表现手法，或许可以与凡高的名作《星夜》中力与能量的图像化表现相联系。蒙克在这里，将那由尖叫所产生的极度的内在焦虑，转化为一种令人信服的抽象意象。如此，他将其画面上的情感表现几乎推向了极致。 　　爱德华．蒙克(Edvard Munch，1863-1944)伟大的挪威画家，现代表现**绘画的先驱。 　　爱德华．蒙克(1863-1944)是具有世界声誉的挪威艺术家，西方表现**绘画艺术的先驱。他的绘画带有强烈的主观性和悲伤压抑的情调。毕加索、马蒂斯就曾吸收他的艺术养料，德国和法国的一些艺术家也从他的作品中得到启发。 　　人们发现,在绘画艺术中,精神**症能唤起没有艺术素养的人的艺术活力,有时还能增加已成名的艺术家的创造力.也许像心理学家们所表明的那样,艺术家确实存在潜在的精神病的倾向,而艺术创作则有助于防止潜在的精神错乱表面化.有位作家曾说过:"有时我奇怪,所有那些不写作、谱曲或画画的人是怎样做到得以逃避发疯、忧郁、惊恐这些人类境遇中总是存在的东西."这种绘画的治疗作用在表现**绘画之父爱德华．蒙克身上表现得犹为明显. 　　蒙克于1863年出生在挪威的一个知识分子家庭.父亲是位知识渊博、阅历丰富的军医,母亲也受过良好的艺术教育.在他5岁那年,母亲因患肺结核而去世,姐弟五人由姨母代养,母亲去世后,父亲难过得好几天没有走出家门,他抑郁的神经强烈地感染了失去母亲的蒙克,这是他一生中首次感受到死亡的恐怖.蒙克13岁那年,年长两岁的姐姐也因肺病去世. 　　蒙克与姐姐关系十分相好,感情极深,她的死再次**了蒙克的神经.接下来他的妹妹也患了精神**症.这一系列的打击所引发的伤痛,深深地印在了蒙克的内心里,决定了蒙克的性格和他前半生创作的基调.从他的《病孩》、《母亲之死》和《在灵床旁》等作品中我们能很清楚地看到这一点.特别在1889年父亲去世后,他的精神更是无法寄托,性格变得忧郁而孤僻.孤独、绝望、死亡等感觉深深地困扰着年轻的蒙克,到了非表达不可的程度.他要呐喊,他要画出活生生的人们,以及他们的呼吸、感觉和受苦受难.在这一时期,他画出了他最重要的作品《呐喊》.画面表现的是一个形似成形婴儿的小人张着口从桥上跑来,远景是海湾和落日景象.天空像滚动着的血红色波浪,令人感到震颤和恐怖,仿佛整个自然都在流血.蒙克后来在谈及此画时说:"我和两个朋友一起走着,夕阳西沉,天空变得像血一样红,我忽然无精打采,极度疲倦地止住脚步,黝黑色的海峡和道路显示着血与火一样的光舌.朋友走着,我却一个人停在那里因不安而颤抖着,我感到了自然强烈的呐喊." 　　蒙克的《呐喊》和他所有的作品一样,都是通过自身体验才画出的,他不是为了艺术而艺术,他所表达的只是有关他自己的忧郁和不安.这就是他的创作的原动力所在.蒙克正是通过创作才打开了自己幽闭着的情感通道,在不自觉中泄露了自己无意识的情感,使内心产生的巨大精神能量得以渲泄.正如弗洛依德相信梦能使紧张在某种程度上缓解一样,通过艺术来表达情感可以使他自己达到一种较为平和的状态.倘若不是通过大量的创作来表达自己,那他也许早就像其妹妹一样过早地精神崩溃了. 　　不幸的是,蒙克还是在1908年精神**了.在精神**中,他的精神得到了最彻底的解脱.从丹麦的哥本哈根接受治疗回到挪威后,他仍能以很高的热情坚持创作,他为奥斯陆大学讲演厅创作热力四射的巨大壁画《太阳》,也画了一些诸如《扫雪回家》和《工人回家》等纯朴自然的画作,但他作品所表达的东西与发病前彻底不同了,作品变得明亮、宁静而富哲理.这就是美术史学家们所称的"第二时期".从这一时期的作品中我们只能得出一个结论,那就是蒙克内心的痛苦和冲突已经被释放得无影无踪了。

伦勃朗油画技法详细教程

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如何用油画表现光线？

如果是想表现阳光的话，可以在背景颜色的基础上加类似的亮色（如：**），再加一点松节油，但画的时候要注意颜色的深浅渐变以及照射物的颜色。如果是高光或反光的话，可以用奶白色在你要表现光的地方用侧锋画，当然如果是高光的话，亮色边往往是深色。

为什么油画通常要放在较暗的光线下看

我明白你的意思了。我们通常在美术馆比较暗的灯光下观看油画。但你没有注意到，只是我们自身处在暗处，灯光还是打在油画上的~~~
美术馆里对灯光是有严格规定的，他的流明，局部亮度，环境亮度，都是很严格的。那些灯每个都非常昂贵。上次印象派在中国美术馆展的时候，法国那边是自己带来的灯。过强的光照会对油画有破坏。这也是美术馆拍照不许用闪光灯的原因。
在美术馆里，光线的布置是为了给参观者一个视觉引导，让参观者在一个相对较暗的环境里，去看那些柔和聚光灯下的作品。那感觉是很舒服的。是人性化的体现~~~

油画人物风景环境色强烈白衣女子

撑阳伞的女人——莫奈夫人

油画 技法 光线 的画法

光影是油画的主要的艺术语言之一,适当而巧妙地光影强弱的处理,可以简洁明快地传达画面形象中细腻幽微的心理意蕴,表现种种情感情绪及深层心理的空间深度。艺术家往往也把光影明暗的处理作为表达个人情绪,着意使画面获得更强烈的感染力,给观者以强烈的视觉冲击。光线是美术作品的重要表现因素,光**人们的眼睛,为视觉揭示出客观世界的时空变化,使宇宙间的一切物象有了可视性。