新喜剧名词解释

今天宠物迷的小编给各位宠物饲养爱好者分享喜歌剧作用的宠物知识，其中也会对新喜剧名词解释(新喜剧名词解释汇总)进行专业的解释，如果能碰巧解决你现在面临的宠物相关问题，别忘了关注本站哦，现在我们开始吧！

新喜剧名词解释

一、新喜剧释义： 新喜剧是指以描写爱情故事和家庭关系为主要内容而不谈**的剧种。新喜剧产生于古希腊文学的第三个时期――希腊化时期。 新喜剧是同阿里斯托芬的旧喜剧相对而言的，新喜剧不再反映重大的社会**问题，而以世俗的家庭生活、爱情等为主要内容，所以又称为“世态喜剧”。 新喜剧强**节的曲折、风格的雅致，注重性格描写，取消了合唱队。 代表作家有米南德，流传至今的完整作品有《恨事者》。 新喜剧成就不如旧喜剧，但对后世欧洲风俗喜剧产生了明显的影响。 二、新喜剧与传统喜剧的比较： 与希腊传统喜剧相比而言： 1、新喜剧在形式上，每个剧本由几个场次和歌舞队的表演组成，但歌队已变得微不足道，只不过用来把剧本分段而已。 2、在内容上，它关注的总是雅典中产公民的私务：爱情、钱财、社会关系等等。在精神上，它不再讽刺批评，希望框时济世； 3、新喜剧注重在讲一个又一个的浪漫爱情故事，充满滑稽胡闹，让这个新世界追寻新机会新财富的观众解颜欢笑。 4、新喜剧也经常借用欧里庇得斯所擅长的技巧，如运用独白与旁白，藉以传达剧中人的想法。 三、新喜剧作家： 新喜剧是公元前四世纪最受欢迎的剧种，它的作家知道姓名的超过60人，而演出过的剧本则在1,400左右。 有完整剧本传世的作家只有一人：米南得尔（Memander,342B.C.-292B.C.）。 （又译作“米南德”。） 米南德尔共写了105部喜剧，但是流传至今的完整版本只有《恨世者》和《萨摩斯女子》两部。 他的喜剧同阿里斯托芬的旧喜剧不同，多描写日常生活，以劝善规过为主题，情节曲折，人物性格鲜明。他的戏剧通过罗马喜剧家的改编，影响到后世欧洲的喜剧。

急需:西方音乐史的答案(在线等)!!

　　西方音乐史中的古典**时期通常指18世纪中叶至19世纪二、三十年代的一段时期。维也纳出现了海顿、莫扎特和贝多芬三位古典**大师，他们的杰出音乐作品和音乐风格被称为近代欧洲音乐艺术的“经典”。古典风格的形成，经历了古典早期复杂的准备过程。
　　18世纪的欧洲，在法国大**之前经历了一场广泛的思想**——启蒙运动，它是以反对教会神权和封建**的文化运动的面貌出现的，然而它的影响远远超出文化领域，涉及经济、**、法律、哲学、科学乃至社会制度和社会风尚等方面。启蒙思想家反对传统的宗教，提倡自然神论；反对形而上学，提倡科学和常识知识；反对**的权威和特权，提倡自由、平等和普遍教育的口号。伏尔泰、孟德斯鸠、狄德罗、卢梭等法国百科全书派正是身体力行地要以先进的哲学文化知识的光辉照亮黑暗愚昧的社会。
　　启蒙**者认为“理性”是人们思想和行为的基础。布瓦洛在古典**文学理论经典《诗艺》中强调“良知”或“理性”，痛斥想象和飘忽无常的情感。他认为，凡是天生的事物总是符合理性的，是永恒、真实的。文学家要爱理性，永远不能和自然寸步相离。启蒙时期流行的文体是更富于理智的散文，优秀散文的清晰、生气、得体、匀称和优美的品质，也成为评判其他艺术的准则。音乐艺术中，古典**的几代大师，则探索了富有理性和逻辑的庞大的音乐构思形式，最终使情感在其中得到适度的完满表现。
　　古典**时期是知识大众化的时代。哲学、科学、文学和艺术开始面向新兴的资产阶级和公众。小说、戏剧描绘普通人的日常生活。音乐家也走出宫廷深院的大门，为音乐会的听众构思创作，于是音乐的愉悦性、易解性和动人等品质，成为音乐美的准则。
　　在启蒙运动的人道**思想影响下，欧洲形成了一个开明君主的统治时期。社会改革的同时，文化艺术获得发展。欧洲君主的广泛联姻削弱了国家民族的界限。艺术，特别是音乐的发展呈现出欧洲一体化的倾向。然而这终究是一个行将灭亡的社会，法国**敲响了旧社会政体的丧钟，也预示了新的音乐时代的开始。

　　一、喜歌剧的发展与格鲁克的歌剧改革
　　18世纪上半叶意大利出现了喜歌剧（Opera Baffa），这是在启蒙****影响下，一反意大利正歌剧“矫揉造作”而追求“自然”的一种新的歌剧体裁形式。它是在意大利幕间剧（Intermezzo）基础上发展起来的。剧中人物常常是社会中下阶层，场景多是大众十分熟悉的日常生活而非豪华的王宫深院生活。剧词幽默口语化，音乐也十分生动。
　　意大利的佩格莱茜（Giovanni Battista Pergolesi，1710—1736）不仅是一位有才能的正歌剧作曲家，他的《女仆作夫人》被认为是第一部意大利喜歌剧。这部**的喜歌剧最初是分为两部分穿插在他本人的三幕正歌剧《高傲的囚徒》的幕间演出的。剧情简洁，人物仅有主人（男低音、常扮演喜歌剧中音乐较生动的角色）、女仆（女高音）和一个哑仆。作品表现了市民阶层女仆的精明机智。
　　18世纪中下叶意大利主要喜歌剧作曲家波契尼（N.Pic-cini，1728—1800）的《温顺的女儿》融入了一些严肃的抒情性。契玛罗萨（D.Cimarosa，1749—1801）的《秘密婚姻》由于生动地表现了人们社会等级价值观念的转变而引起轰动。
　　1752年，一个意大利歌剧团把《女仆作夫人》带到巴黎演出，激起了法国文化界“喜歌剧之争”。卢梭等一些启蒙思想家，热情赞扬这种大众化倾向的歌剧体裁，卢梭还综合了意大利喜歌剧及法国传统的集市戏创作出了喜歌剧《乡村卜者》，证明以法国语言能够谱写这种新风格的音乐。
　　由于18世纪的意大利正歌剧过份注重美声、炫技性而无视戏剧性的倾向，使它与启蒙**提倡的“自然”原则格格不入。一些艺术家思考对正歌剧进行改革。其中一位有成就的作曲家是格鲁克。
　　格鲁克（Christoph Willibald Gluck，1714—1787）是德国人，就学于布拉格，后在意大利完成学业，早年主要创作传统风格的意大利歌剧。18世纪50年代定居维也纳，受歌剧改革浪潮影响，与诗人卡尔萨比基（Raniero Calzabigi，1714—1795）合作先后创作了《奥尔菲斯与尤丽狄茜》、《阿尔切斯特》等歌剧，实践了他对歌剧改革的一些设想。他认为：歌剧声乐的旋律要去除不必要的装饰，音乐必须在戏剧的支配下简洁地陈述出来；千篇一律的返始咏叹调的形式，如果破坏了剧词的连贯性，就不应该采用；序曲的基调应与整个戏剧的基调相吻合；简洁和清晰应是歌剧音乐永远追求的原则。

《费加罗的婚礼》是莫扎特歌剧作品的序曲吗

　　莫扎特的歌剧《费加罗的婚礼》序曲

　　莫扎特罕见的创作天才令人叹服，他在短短的一生（1756—1791）里，其创作几乎涉及了音乐的所有领域，而歌剧是他最为喜爱和擅长的体裁之一。莫扎特的管弦乐作品中，除去交响曲以外，歌剧序曲也同样焕发出异彩。我们在这里，暂不谈他那些著名的交响曲，先介绍一下他的歌剧《费加罗的婚礼》的序曲。
　　西方歌剧的“序曲”，常常作为音乐会演奏的管弦乐曲目，脱离开歌剧（有时是为话剧、舞剧配乐的前奏，则离开话剧、舞剧）而**演出，莫扎特的几部歌剧序曲，都以这种方式，而为人们所熟知，比如《费加罗的婚礼》序曲、《唐璜》序曲等。
　　到十九世纪，“序曲”不仅专为歌剧所有，而且成了一种音乐体裁，得到更广泛的运用，作曲家们根据某个文学题材、人物，或是为某个节日庆典创作音乐，常常就命以“序曲”之名。下面让我们进入本题，莫扎特的歌剧序曲，还不象十九世纪威柏的序曲那样，所用的材料和歌剧中的音乐材料紧密相关，可以说序曲的归属性并不强，而且有时会出现这个歌剧的序曲，搬到另一个歌剧前面去当序曲使用的情况，这个现象在莫扎特的创作中有，到罗西尼（十九世纪意大利歌剧作曲家）那里更是常见。尽管如此，莫扎特在为歌剧创作序曲的时候，仍非常注意使序曲与歌剧之间，保持情绪和气氛的一致。
　　《费加罗的婚礼》序曲作为以**面貌出现的“序曲”，有着鲜明而完整的轮廓，虽然没有引用歌剧中的具体材料，但它和歌剧在精神气质上极为相通。大家都知道，《费加罗的婚礼》歌剧脚本，取自法国十八世纪作家博马舍的同名剧作，莫扎特选中它做歌剧题材，是很有胆识的。因为将仆人费加罗的机智、豪爽与主人——伯爵大人的轻浮、愚蠢相对照，这在当时的社会**环境中，是极为敏感的，难怪奥地利的皇帝禁演这部戏剧。当然，让莫扎特感觉兴趣的，主要还是剧中人物多种多样、丰富多采的个性，他们之间错综复杂的关系。莫扎特为《费加罗的婚礼》创作的音乐，着意于原作中的喜剧性和抒情性，尤其是通过每幕终场的大型重唱，将音乐表现戏剧性冲突的潜力，发挥得淋漓尽致。歌剧序曲的含意要简单得多，但完全符合歌剧的寓意，《费加罗的婚礼》所具有的外在的节奏动力和内含的明朗与乐观，在它那欢快、紧凑的音流中充分地体现出来。
　　序曲采用奏鸣曲式。呈示部的主部主题由两个部分组成，它们彼此不是偶数的对称的乐句，前一半由弦乐组加大管奏出，奇数（7小节）的，用休止符隔断的，一点一点扩展的乐句（1+2+4），象一个捉摸不透、魔术般涨大的音乐小精灵，飞旋而来。后一半，在经过4小节的过渡后，引出了乐队全奏的明快而肯定的旋律。
　　连接部开始于一个快速下行的音型，并加以模仿，然后用主部主题的材料，逐渐完成由主部主调（d大调）向副部的属调（a大调）的过渡。
　　副部主题的音乐也不是单一的，前一个材料是多变的节奏间型、出乎意料的强弱变换。
　　后一支旋律则是重复向上的冲力，突然变换的调性，这多种因素，被组织得如此巧妙、俏皮而灵逸，让人拍案叫绝。
　　结束部出现一个轻快优美的旋律，使活泼而富于动感的副部有一个稳定的结尾。
　　这首序曲的展开部仅以一个简短的过渡段来替代，然后就很快地进入了再现部，我们上面所介绍的所有主题，在再现部里，统一到主调性上重复了一遍。最后，全曲在旋风般的速度中结束。这首泼辣、幽默、生动、一气呵成的序曲，就这样把歌剧的喜剧气氛烘托出来，序曲一完，幕布拉开，费加罗和他的未婚妻苏珊娜在婚礼前夕的种种趣事就此开始。
　　莫扎特的《费加罗的婚礼》的序曲音乐，极其精炼而富于效果，它成为二百年来最著名的管弦乐曲文献之一，是不足为奇的。

歌剧的起源与发展

起源：歌剧在西方语言的代表字Opera来源于拉丁语“作品”的复数形式（Opus, Opera），后经意大利文推广至其他欧洲语言，顾名思义歌剧原意不单单包括舞台上的独唱、重唱和合唱，也包括对白、表演和舞蹈。 16世纪末，在意大利的佛罗伦萨有一群人文**学者组成了“卡梅拉塔同好社”（Camerata）的团体，以复兴古希腊的舞台表演艺术。他们相信古希腊的戏剧中的“合颂”部分实际上是合唱部分，甚至有人认为古希腊的戏剧实际上就和今天的歌剧一样，全部剧情皆以歌曲交代。 因此当现知历史上第一部歌剧，由雅各布·佩里（Jacopo Peri）作曲，取材自古希腊神话的《达芙尼（Dafne）》于1597年首演时，风评一片赞好，皆认为“成功**了古希腊的戏剧精神”。 但《达芙尼》最终不幸失传，但佩里的另一套首演于1600年的歌剧《尤丽狄茜（Euridice）》至今仍偶有排演。但今天歌剧界最古老的标准保留剧目的歌剧，当数1607年首演于曼都瓦宫廷的克劳迪奥·蒙泰韦尔迪作品。 歌剧发展：歌剧诞生于17世纪的意大利佛罗伦萨，世界上第一部公认的歌剧是1607年由蒙特威尔第创作的《奥菲欧》。从此，歌剧以它独特的魅力逐渐成为欧洲最重要的音乐体裁。 1、17世纪末 在罗马影响最大的是以斯卡拉蒂为代表的那不勒斯歌剧乐派。他于1681年创作的歌剧《善善恶恶》确立了歌剧序曲的典型模式，即“快-慢-快”三段式。 这一时期同时也确立了ABA式的咏叹调格式。此时的音乐常用盛大的场面和合唱，给歌剧带来重音乐、轻戏剧的倾向。这样的倾向使得歌剧在日后的发展日趋僵硬。于是到18世纪20年代，遂有取材于日常生活、剧情诙谐、音乐质朴的喜歌剧体裁的兴起。 意大利喜歌剧的第一部典范之作是帕戈莱西的《女佣作主妇》（1733年首演），该剧原是一部正歌剧的幕间剧，1752年在巴黎上演时，曾遭到保守派的诋毁。 因而掀起了歌剧史上著名的“喜歌剧论战”。出于卢梭手笔的法国第一部喜歌剧《乡村占卜师》就是在这场论战和这部歌剧的启示下诞生的。 意大利歌剧在法国最先得到改造，而与法兰西的民族文化结合起来。吕利是法**剧（“抒情悲剧”）的奠基人，他除了创造出与法语紧密结合的独唱旋律外，还率先将芭蕾场面运用在歌剧中。 在英国，普赛尔在本国假面剧传统的基础上，创造出英国第一部民族歌剧《狄东与伊尼阿斯》。在德、奥，则由海顿、狄特尔斯多夫、莫扎特等人将民间歌唱剧发展成德奥民族歌剧，代表作有莫扎特的《魔笛》等。 至18世纪，格鲁克针对当时那不勒斯歌剧的平庸、浮浅，力主歌剧必须有深刻的内容，音乐与戏剧必须统一，表现应纯朴、自然。他的主张和《奥菲欧与优丽狄茜》、《伊菲姬尼在奥利德》等作品对后世歌剧的发展有着很大的影响。 2、19世纪以后 意大利的g.罗西尼、g.威尔迪、g.普契尼，德国的r.瓦格纳、法国的g.比才、俄罗斯的m.i.格林卡、m.p.穆索尔斯基、p.n.柴科夫斯基等歌剧大师为歌剧的发展作出了重要贡献。成型于18世纪的“轻歌剧”（operettta，意为：小歌剧）已演进、发展成为一种**的体裁。 它的特点是：结构短小、音乐通俗，除独唱、重唱、合唱、舞蹈外，还用说白。奥国作曲家索贝、原籍德国的法国作曲家奥芬·**是这一体裁的确立者。 3、20世纪 歌剧作曲家中，初期的代表人物是受瓦格纳影响的理查·施特劳斯（《莎乐美》、《玫瑰骑士》）；第一次世界大战后是将无调性原则运用于歌剧创作中的贝尔格（《沃采克》）。 40年代迄今则有：斯特拉文斯基、普罗科菲耶夫、米约、曼诺蒂、巴比尔、奥尔夫、贾纳斯岱拉、亨策、莫尔以及英国著名的作曲家勃里顿等。 扩展资料 歌剧往往具有感人肺腑的戏剧故事情节，在演出中，声乐的表现形式可同时包含独唱、重唱、女声合唱、男声合唱、童声合唱、混声合唱等等，加上庞大的管弦乐团的演奏。 另外，在舞台的立体空间中，除了通过演员表演，展示出人物之间的关系和戏剧情节外，还运用了服装、化妆、灯光、绘画布景、道具、机械装置等舞台美术手段。 其音乐部分通常由以下几部分组成： 1、序曲：在歌剧演出开始时的一段乐曲。多数歌剧的序曲会把歌剧中出现人物的音乐主导动机和有鲜明个性的旋律交织在一起，在序曲的演奏中显现。也有的序曲只是一个开头的序奏，与后面的音乐关联不多。 2、宣叙调：一种歌唱形式，更接近于戏剧朗诵，有和声作为衬托，通常用于乐段之间的连接，多用于人物对话与角色的独白。 3、咏叹调：专指独唱曲，是与朗诵或宣叙调相对而言的，在歌剧中多用于人物情感的抒发。 4、重唱：在歌剧中有多种形式的重唱，二重唱、三重唱、四重唱、五重唱直至十一重唱等。重唱是指在同一时间段，各种人物用自己不同的旋律构成复调或和声的织体来唱出每个角色相同或不同的情感，进行内心描述或叙事。 5、合唱：合唱是声乐中表现力最强的表演形式，它能够充分地表现歌剧中人物的思想感情，推动剧情的发展。歌剧在戏剧**出现时也会使用合唱这一丰富的表现形式。歌剧中的合唱能体现一种力量和升华了的群体境界。合唱以多声部的音乐单色织体拓展了音乐表现力。 6、舞台美术制作：布景的安放、制作材料的选用，首先考虑有利于舞台上演员歌声的传送。制作往往反映了当时绘画、建筑和服装的艺术理念。 7、舞蹈在歌剧中的运用：在讲求豪华场面的“大歌剧”中，都有舞蹈的场面，用以调节气氛和配合戏剧情节的发展，例如《卡门》中的二幕与四幕舞蹈场面。舞蹈场面的运用使歌剧的舞台演出增强了动感和视觉效果，更富于观赏性。 8、歌剧清唱：歌剧清唱是将歌剧的演出音乐会化，以欣赏歌剧音乐为主。通常保留歌剧中的纯音乐内容，在不影响音乐和戏剧脉络完整的前提下，作一些缩减，删节一些戏剧表演和过渡音乐段落，使音乐演出相对集中，更加符合音乐会的现场气氛。 资料来源：百度百科-歌剧

莫扎特的歌剧代表作有哪些？

26岁(1782)时，莫扎特成功地创作了三幕二十一曲、用德语演唱的歌唱剧《后宫诱逃》，同年首演于维也纳，获得巨大成功。紧接着于1786年完成四幕二十八曲喜歌剧《费加罗的婚礼》， 1787年在布拉格上演了他所作的二幕二十六曲喜歌剧《唐·璜》， 1790年在维也纳上演了他所作的二幕三十一曲喜歌剧《女人心》，1791年在维也纳上演了他创作的最后一部二幕二十一曲的歌剧《魔笛》。短暂的一生中他写了22部歌剧，不可不谓之多产了。上述几部歌剧创作中的优秀代表作，也是欧洲歌剧史上开一代乐风的歌剧杰作。

歌剧中管弦乐队的作用

百度上有这方面比较详细的介绍，您可以去看看：
http://baike.baidu.com/view/712300.htm

莫扎特的歌剧创作为后世作出了什么贡献？

莫扎特从小就钟爱歌剧艺术。11岁时(1767)就在萨尔茨堡演出了他的歌剧《第一戒律的义务》(一幕，宗教歌唱剧)。第二年又创作了供学校演出的一幕九场拉丁语的幕间剧《变形的黑亚金特斯》，上演于萨尔茨堡大学，同年，又在维也纳上演了他所作的一幕十六曲歌唱剧(巴斯蒂安与巴司蒂娜》。这些少年时期所写的歌剧，受意大利那不勒斯歌剧乐派的影响还是很深的。但从此他几乎没有间断过歌剧的创作。直至1780~1781年所创作的三幕三十二曲正歌剧《伊多梅奈欧》(1781年上演于慕尼黑宫廷剧院)，莫扎特才开始进入其歌剧创作的成熟阶段，开始呈现了他自己的创作个性，以及不同于格鲁克的有关歌剧创作的美学见解。 26岁(1782)时，他成功地创作了三幕二十一曲、用德语演唱的歌唱剧《后宫诱逃》，同年首演于维也纳，获得巨大成功。紧接着于1786年完成四幕二十八曲喜歌剧《费加罗的婚礼》，1787年在布拉格上演了他所作的二幕二十六曲喜歌剧《唐•璜》，1790年在维也纳上演了他所作的二幕三十一曲喜歌剧《女人心》，1791年在维也纳上演了他创作的最后一部二幕二十一曲的歌剧《魔笛》。短暂的一生中他写了22部歌剧，不可不谓之多产了。上述几部歌剧创作中的优秀代表作，也是欧洲歌剧史上开一代乐风的歌剧杰作。 他的歌剧创作首先突破了格鲁克提出的歌剧音乐要绝对服从戏剧、只是起加强剧词表现力的创作原则，进而提出应发挥音乐在刻画人物心理、性格、感情等方面的作用，赋予剧中每个角色以强烈的个性，并随着剧情的发展，以及人物所处环境的变迁而赋予其不同的音乐表现，使其形象生动、栩栩如生。正如莫扎特自己所说的那样，作为音乐家的莫扎特只能用声音来表现他的思想感情，不可能用诗句或色彩去表现，因为他不是诗人，也不是画家。他甚至坚持主张，歌剧中的音乐在诸种艺术手段中应居于“最高的主宰地位”。也就是说，莫扎特认为音乐可以在刻画人物的心理活动中，在塑造人物形象中发挥巨大的作用。他的歌剧创作实践了他的歌剧美学观，比格鲁克更加成熟、更加全面。其二，是具有维也纳古典乐派的特征。其歌剧音乐表现(诸如力度对比、速度对比、胸声的厚薄等)适度，克服了意大利喜歌剧音乐中的那些卖弄夸饰的滑音的弊端，以及沿用过分的噱头、闹剧杂耍式的风格，代之以自己的气质和风格，从而提高了喜歌剧的品位，创造性地发展了喜歌剧。其三，是发展了重唱艺术。他出色地运用重唱形式加强歌剧的戏剧性，增强了矛盾的冲突，充分发挥重唱的技巧和表现力，用于细腻地刻画了在同一环境中、不同人物的不同的心理状态。如《费加罗的婚礼》中的重唱。其四，是突破了以高音声部作为歌剧主角的局限，成功地使中、低音声部担任歌剧的主角。如费加罗、唐•璜都是男中音，萨拉斯特罗大祭司是男低音等。其五是具有鲜明的德国民族特色。如用德文演唱，从德国民间音乐、新教圣咏中汲取音乐素材，以及德国的民间演唱风格等。另一方面，从人物性格出发，也成功地借鉴了意大利喜歌剧的某些形式。如《魔笛》中夜后所唱的复仇咏叹调就采取了意大利阉人歌手所具备的炫耀花腔绝技的演唱风格；《唐•璜》中的莱普雷洛则采用了意大利喜歌剧的那种轻快、俏皮和急口令式的演唱风格等。

音乐剧和歌剧有什么区别?

1、舞台表演的内容是不同的 在歌剧中，舞蹈经常被用作互穿和丰富多彩的因素，但音乐剧是通过音乐，舞蹈和戏剧的整合来讲述故事和描绘人物的娱乐产品，基于戏剧，音乐作为灵魂和舞蹈的重要表达手段。 2、不同的舞台布置 音乐剧的设置豪华，场景华丽多彩，满足剧情的需要，响应观众的品味。并使用先进的舞台技术。 歌剧的演出和戏剧的所需一样，都要凭借剧场的典型元素，如背景、戏服以及表演。 音乐剧： 歌剧： 3、演员的要求是不同的 歌剧是大多数唱着美声唱法的人身材不是很好，对舞蹈和其他方面的要求不是很高，但音乐剧强调各种艺术元素的整体效果，所以表演时一个音乐角色，演员必须同时考虑到各种表演元素，简单的说就是能歌善舞样样精通。 4、歌曲的风格不同 音乐剧中的许多歌曲都不是独奏，音乐剧中的歌曲更短，更简单，更容易唱歌。人们在走路或洗澡时可以唱这些歌。歌剧以独奏咏叹调为指导。 参考资料来源：百度百科-音乐剧 参考资料来源：百度百科-歌剧

歌剧中的声乐及器乐分为哪几种形式

歌剧（opera）是将音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵)。早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以宗教故事为题材，宣扬宗教观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。歌剧中的声乐部分包括独唱、重唱与合唱，歌词就是剧中人物的台词（根据样式不同，也可有说白）；器乐部分通常在全剧开幕时有序曲或前奏曲，早期歌剧还间有献词性质的序幕（包括声乐在内）。在每一幕中，器乐除作为歌唱的伴奏外，还起联接的作用。幕与幕之间常用间奏曲连接，或每幕有自己的前奏曲。在戏剧进展中，还可以插入舞蹈。歌剧的音乐结构可以由相对**的音乐片断连接而成，也可以是连续不断发展的统一结构。 歌剧中重要的声乐样式有朗诵调、咏叹调、小咏叹调、宣叙调、重唱、合唱等；其体裁样式有正歌剧、喜歌剧、大歌剧、小歌剧、轻歌剧、音乐喜剧、室内歌剧、配乐剧等。

贝多芬在西方音乐史的历史地位

称为乐圣和“交响乐之王”．把交响曲这种音乐体裁的艺术成就推高到极至．后 人无可超越．如＜合唱交响曲＞．2．丰富和完善了奏鸣曲这个体裁，3．维也纳古典乐派代表人之一。他开辟了浪漫乐派．4．影响欧洲音乐发展3个最重要历史时期的音乐家之一，（**．贝多芬，博拉姆斯）欧洲三个重要历史时期中，他是古典乐派时候最有影响力的音乐家。 路德维希·凡·贝多芬 （Ludwig van Beethoven） 1770年12月16日生于德国波恩，1827年3月26日逝世，享年57岁，德国杰出的音乐家，维也纳古典乐派代表人物之一，世界音乐史上最伟大的作曲家之一。贝多芬的主要作品有降E大调第三交响曲《英雄》、c小调第五交响曲《命运》、F大调第六交响曲《田园》、A大调第七交响曲、d小调第九交响曲《合唱》（《欢乐颂》主旋律）、序曲《爱格蒙特》、《莱奥诺拉》、升c小调第十四钢琴奏鸣曲《月光》、F大调第五小提琴奏鸣曲《春天》、F大调第二浪漫曲。 贝多芬的一生是光辉奋斗的一生。他通过精湛的艺术手法，大大加强了作品的感染力，反映了资产阶级上升时期的进步思想，把欧洲古典乐派推向顶峰。他也开辟了浪漫**乐派个性解放的新方向，为世界音乐文库增添了光辉的篇章。